Un dilema físico es mejor que un golpe digital: James Merrigan analiza 'We'll See You Now' de Tanad Aaron en Pallas Projects Dublin

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por admin 13 julio, 2023, 12:00 pm 0Comentarios

En la década de 1990, artistas que trabajaban en diversos medios, desde la pintura hasta la instalación, redescribieron el mundo a imagen del “no lugar”. Los no lugares, acuñados por el antropólogo francés Marc Augé, son espacios de transición (autopistas, aeropuertos, habitaciones de hotel) que se encuentran entre lugares culturalmente más establecidos y estáticos. En esos no lugares la identidad socialmente construida del individuo es menos segura, no se pueden formar grupos y la soledad los impregna. Como decía Gertrude Stein, “no hay allí en un no lugar”.

El arte, en cierto sentido, es la exhibición de partes del mundo que no notamos ni valoramos, pero que descubrimos de nuevo en la obra de arte.

Para el artista contemporáneo, estos no lugares son una metáfora perfecta de un cuerpo político distraído, cuyos miembros se dedican a su vida laboral cotidiana sin prestar atención a los rincones liminales de la sociedad. En cierto sentido, el no lugar transicional es un complemento maravilloso y una oportunidad para que el artista exhiba lo que está a la vista, algo familiar pero ignorado por la sociedad en general. El arte, en cierto sentido, es la exhibición de partes del mundo que no notamos ni valoramos, pero que descubrimos de nuevo en la obra de arte.

Los no lugares más comunes redescritos por el artista contemporáneo tienen una cualidad asombrosa que evidencia una influencia freudiana. Artistas de instalaciones como Mike Nelson, Mark Manders, Miroslaw Balka, Gregor Schneider y los fotógrafos Thomas Demand y Jeff Wall, construyen espacios extraños pero familiares salpicados de objetos y accesorios, que perturban la normalidad de su arquitectura con el teatro del absurdo y la psicología del miedo.

En la misma línea extraña, los artistas conceptuales y minimalistas de la década de 1970 presentaron al espectador espacios de galería casi vacíos, como la eliminación por parte de Michael Asher de una partición de la galería para revelar las maquinaciones de la administración de la galería y nada más; o la mecánica masturbatoria del deseo representada en Seedbed de Vito Acconci, donde el artista se masturbó bajo una solitaria rampa de madera en una galería que de otro modo estaría vacía. Más cercana a la corriente principal, Dogville (2003), de Lars von Trier, protagonizada por Nicole Kidman, es un buen ejemplo de cómo reducir el escenario de una película a contornos de tiza puede perseguir al espectador con su propia imaginación y deseos, como la mancha de tinta que Rorschach dramatizó en la película psicológica. Drama televisivo.

¿Por qué el largo prefacio a una reseña (mi primera reseña para Village Magazine) de la exposición individual We'll See You Now de Tanad Aaron en Pallas-Projects Dublin? Bueno, quiero comenzar esta aventura crítica haciendo explícita la importancia del contexto y el entorno en la apreciación –lo que Christoph Menke llama más apropiadamente “aprehensión”- del arte contemporáneo. Si estamos lidiando con subjetividades e ideologías por encima de verdades y hechos en la aprehensión del arte, es útil contar con un poco de contexto.

El contexto (o fantasma) que acecha el trabajo de Tanad Aaron en Pallas Projects Dublin es la colaboración. Durante casi una década, el artista ha desempeñado un papel decisivo en la construcción de exhibidores de madera y muebles de galería para exposiciones en la escena artística irlandesa. Curadores, instituciones de arte y artistas han encargado la sensibilidad artesanal de Aaron para lograr un efecto consistente. Al principio, Aaron era conocido como parte de un trío de artistas (con Andreas von Knobloch y Tom Watt), que hacían exposiciones en sus propios términos, no bajo los auspicios de curadores e instituciones de arte, que querían otra estantería más. o mesa para decorar sus ambientes administrativos. En estos contextos curados, Aaron, von Knobloch y Watt se convirtieron en artistas-técnicos, a quienes se les encargó por sus habilidades de carpintería la fabricación de escenarios para exposiciones, lo que al principio fue novedoso, pero luego se convirtió en una convención.

Trabajar solo en Pallas Projects es una perspectiva a la vez intrigante y desafiante para Aaron. Pallas Projects es un pequeño espacio de galería, dividido por una partición con bisagras que facilita un espacio de galería grande o dos más pequeños. Aaron optó por la última configuración, utilizando la sala de entrada más grande para exhibir algunos objetos sujetos a paredes y pisos, incluidas pinturas al óleo tentativas que redescriben la forma de la rampa curva que se arquea hacia la sala más pequeña de la galería.

La galería está oscura, con la extraña vibración de la luz azul y verde que emana de las luces de los tubos de argón que forman garabatos ilegibles a simple vista o escondidos debajo de la plataforma. La iluminación, que algunos podrían denominar neón obsoleto sin hacer referencia a la lista de obras de arte, crea el ambiente, la sensación de que este es un espacio que intenta evadir una descripción fácil. Las burbujas de discurso vacías, en sus manifestaciones de vidrio y luz refractada, testifican sin palabras en toda la galería.

Para aquellos que no están equipados con el contexto, ya sea histórico o local, solo puedo imaginar que la exposición de Aaron presenta un obstáculo conceptual, a pesar de que se puede acceder a la plataforma de madera a través de una rampa suavemente diseñada. La artesanía es una gran cosa en la caja de herramientas de Aaron. Incluso en el uso de madera contrachapada barata, MDF y bolsas de papel, cada esquina y borde está finamente biselado y plisado en una diligente alquimia. Tanto es así que mi atención se ve atraída repetidamente hacia las esquinas y bordes de sus fabricaciones de madera, a expensas de profundizar en el contenido esquivo.

Se podría decir que esto es mérito de Aaron, que no está interesado en presentar las teorías o temas del día, sino que existen aquí como una sublimación, no como un titular. En el comunicado de prensa fácil de usar, el artista señala casualmente “salas de espera” y sitios de permanencia e impermanencia. Y, sin embargo, sin otras señales, ya sean filosóficas, periodísticas o literarias, la instalación se desliza, siempre siguiendo la corriente, sin ninguna interrupción en el lenguaje uniformemente curtido del MDF. Si te refieres al mapa de la galería, como lo hice yo, ayuda a dividir y conquistar la totalidad de esta exposición en partes pequeñas, nombradas y huérfanas de su abrazo materno de MDF.

Socialmente preparado para el uso de pronombres, el uso del pronombre nosotros, como en el título de la exposición We'll See You Now, hace (o no hace) una de dos cosas: apunta a la evidente fascinación por el mundo del arte (y todo otra burbuja institucional) tiene estos días con el nosotros de la inclusión y la comunidad; o dos, presenta la sustitución o ausencia de algún agente (médico) que se presenta con las palabras: "El médico le atenderá ahora". Pero, lo que es más interesante, en el contexto de la historia colaborativa de Aaron, ha utilizado el pronombre nosotros para presentar una exposición individual. Después de años de ser fundamental en las exhibiciones de otros como escenógrafo y creador de escenarios, presentamos el fantasma de la colaboración. Haciendo de esta una exposición mucho más solitaria y vulnerable de lo que sería sin contexto.

La instalación de Aaron satisface los recuerdos viscerales que tengo de instalaciones anteriores, pero no logra evocar otros nuevos.

Muchos visitantes que frecuentan exposiciones de arte visual utilizan el gusto como chivo expiatorio, lo que infiere clase, al aceptar o rechazar el arte contemporáneo. En mi opinión, una palabra mejor para atribuir a la experiencia del arte es "predilección". Mi predilección cuando se trata de arte de instalación es que el artista presenta al espectador un dilema físico que aprovecha los deseos y ansiedades ya inherentes a la cultura contemporánea. La instalación de Aaron satisface los recuerdos viscerales que tengo de instalaciones anteriores, pero no logra evocar otros nuevos. Dicho esto, es una exposición significativa para concebir y realizar hoy, no hace veinte años, cuando el arte de instalación de este tipo era más común.

Hoy en día, los objetos de arte y las experiencias artísticas han sido sustituidos y mercantilizados como imágenes digitales en Instagram. El arte de instalación es el dominio del aburrimiento y la ansiedad, donde soportas tus frustraciones y escapas con un sentido atormentado de ti mismo y de la sociedad. Durante la pandemia, esta sensación inquietante de automanifestación en línea como los “espacios liminales” estéticos de Internet, que representaban espeluznantes no espacios desprovistos de personas pero iluminados por un estado de ánimo no muy lejano al que está instalado en Pallas Projects en este momento. La exposición de Aaron apunta hacia esos sentimientos e incluso insinúa sus posibilidades radicales para el arte. Sólo espero que una nueva generación de artistas experimente esta exposición como una posibilidad presente y futura en su trabajo. Necesitamos más exposiciones que pongan a prueba nuestra capacidad de experimentar el arte como un dilema físico en lugar de un golpe digital.

We'll See You Now de Tanad Aaron continúa hasta el 15 de julio en Pallas Projects Dublin.

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